试论绘画写实与写意色彩之应用

摘要

二十一世纪的今天从绘画到音乐到各领域的艺术来说形式语言越来越多元化。色彩是绘画语言的表现形式,是表达情感、传达精神、再现事物的方法和手段。不同时代的画家在色彩的表现也是不断变化的,色彩语言由写实性对色彩的客观描绘,到注重运用色彩情感性对事物特征的表达,色彩的写实与写意在绘画中不断被结合与运用。

本文通过对色彩语言形式的分析,以色彩的发展为学术背景,论证艺术家们在描绘色彩中注入自己的情感,感性与理性的统一,利用作品来表达其想法和精神,更有利于增强画面的感染力。辩证的认识色彩写实与写意并有效运用于绘画中对油画色彩写实写意正确运用具有理论和实践的指导意义。

关键词:色彩;写实;写意;影响

引言

绘画是不断发展的。十九世纪后期印象派崛起,不再模仿自然,强调绘画的情感性,注重个人思想的表达。从原始社会以来,色彩也广泛的被人们认为具有象征性的作用,可以象征性别、权利、地位和内心深处的感情。在绘画中,不同的颜色给人的感觉也是大不相同,有冷漠、温暖、热情和生机,是一幅绘画作品的灵魂和情感的体现。

色彩在绘画中的发展不断地被更新,由起初的写实性,到表现理想情感的写意性和装饰性。画家不断进步在作品的运用上,内心情感和客观事物相结合,注重利用色彩抒写个人意志。随着画家们的审美意识不断地改变和提高,色彩的写实与写意相结合,,正确运用色彩的写实与写意对于油画有指导意义。

一、绘画中色彩的发展演变历程

色彩是五彩斑斓的,有着再现事物和抒发情感的特点。中国绘画中色彩的表现是以水墨开始,“重形轻色”“重墨轻彩”。中国古代的绘画之中,色彩特点倾向于重彩和象征色。从唐朝开始到明清,文人画的兴起,中国画开始偏重水墨,色彩审美逐渐走向一种极端的水墨审美倾向。西方绘画色彩的发展从具有强烈宗教色彩的象征性,到文艺复兴对于固有色的表现和光影的处理,再到后印象派注重利用色彩对于情感的表达,不断的发展和演变。

(一)中国绘画的色彩发展

早期绘画时期是以线条为主的淡彩,用红、青、黑、白等颜色平涂,具有较强的宗教意味,有神话色彩的韵味。如顾恺之的《女史箴图》、张僧繇的《洛神赋图》,都是运用色彩进行平涂,表现强烈的宗教神学。

唐宋时期绘画逐渐向水墨方向发展,用色鲜艳华丽,颜色丰富。阎立本的《步辇图》和张萱、周昉的仕女图等,都展现唐代绘画用色,表现出当时社会富丽堂皇的特点。

元代绘画特点不同于前几个朝代,色彩倾向是以水墨为主。元四家赵孟頫、吴镇、黄公望、王蒙四人的水墨更是体现了荒寒意境,四人在山水画中融入且合并笔墨写意,忽略外形相似,更多注重神似,以追求清新脱俗之风。

明代以后的绘画色彩水墨大写意兴起,水墨的运用达到高潮,追求一种虚静之感。马远、夏圭和吴门四家的绘画作品,以笔墨抒发意趣,表达趣味。

“绘画色彩的发展由早期绘画时期、唐宋时期绘画、元代绘画和明代以后的绘画色彩四阶段”。【15】

(二)西方绘画的色彩发展

原始色彩具有不丰富,单色性,象征性特点。“象征性特点:对巫术的服从;对哲学的服从;对统治者的服从。”【3】在原始人看来红色象征生命之血的颜色,希望生命可以再生。

古希腊绘画色彩单纯质朴,但与古罗马相比色彩就更具有情感性和丰富性。由于古希腊人们的宗教观念,所以使用象征性的色彩表现形式。古罗马继承古希腊的色彩观念,用对比增强画面表现力。

文艺复兴时代的绘画是以表现固有色为主,单纯、典雅。但是在作品中将光影和明暗的关系处理的恰到好处。“在一个色彩象征体系中,白、绿、红代表了三种最重要的美德:信、望、爱。”【14】文艺复兴三杰:达·芬奇的色彩运用沉稳,采用中性色、拉斐尔创作大量圣母像用色鲜艳明亮、米开朗基罗色彩运用细腻,颜色鲜亮。多梅尼科的画中玛利亚穿着玫红与黄色的衣服,座位覆盖着绿色的布,建筑物的白色围绕着她。颜色之中存在着某种和谐,颜色之间的配合产生一种高贵与优雅。

后印象派在色彩上的强调主观情感,打破传统的对色彩的看法,对于光影关系并不那么重视。“整个画面以色彩的浓淡进行造型,从而放弃了传统的光影法。”【10】后印象派出现了凡·高、塞尚、高更等画家,注重对细腻情感的表达,色彩表现也很丰富,具有装饰性的特点。

色彩的发展由与巫术相关的象征性,到与宗教相关的表现性,再到对自然的真实再现的写实性,最后在写实性中注入了写意性,注重用颜色来表达心情,使绘画作品注入了灵魂和精髓。

中西绘画由于所处的社会背景和所受思想的差异,所用的表现手法也不同。并且前者与后者相比注重笔墨运用和内心思想的表现。但随着社会的发展,中西方绘画色彩运用上不断的融合,对于双方绘画的发展都具有指导意义。

二、绘画中的色彩语言形式

绘画中的色彩语言形式多种多样,写实性,再现客观事物的原本面貌,注重光影效果,追求“视觉的真实感”。象征性在原始时期就已存在,是对身份、权利等方面的一种象征。后印象派崛起,内心感情逐渐被重视,不再单纯的追求写实性,装饰性也逐步的出现,一直沿用至今。

(一)以写实性为形式的色彩语言

“写实性色彩体系是西方古典主义、写实主义、浪漫主义和印象主义画家所使用的色彩体系。”【3】

在西方现实主义绘画中追求“视觉写实”,因此关注光学,焦点的使用是明显的例子。在色彩中,也坚持其“固有色”和“条件色”以反映客观色彩关系作为目的,认为客体的色彩就是客体本身的色彩,运用各种现实的方法去把握、模仿、处理自然色彩,并再现现实。

从文艺复兴开始,绘画建立起了写实的标准,米勒的《晚钟》,拉斐尔的《雅典学院》画中背景全是乳黄色的大理石结构,人物的衣色红、白、黄、紫、赭等色相互交错,准确掌握人体的比例,按照人物的衣着颜色将色彩与线条的结合,描绘光影效果。

(二)以象征性为形式的色彩语言

人类社会中最古老的色彩是象征色。中国画早期多以宗教和神话为主,在色彩的表达上多有象征意义。西方早期的宗教也很是盛行,壁画和镶嵌画中多用宗教题材,画中人物衣着颜色等象征着其身份和地位。“尼安德特人死后,其遗体被涂上红褐色或者墨色。后来的克罗马依人死者的遗体上及墓中,也往往被涂上红褐色。”【3】在原始人看来,红色是生命之色,象征着生命和重生,导致色彩并不只是描绘自然和现实世界。“红色——强烈的视觉刺激。”【10】

“英国评论家阿德说:“对他(凡·高)来说,黄色就是太阳的颜色,是光和热的象征”。【3】在切割耳朵,精神失常时,从其画中便可以看到黄色屡屡出现。似乎只有黄色能代表他的心情,象征他的情感。”战国时期的帛画和魏晋南北朝时期顾恺之的《女史箴图》用线勾勒,多用红、青和黑。

乔内的作品中,圣徒们常常以不同色彩标记。“圣彼得总是穿着黄色和蓝色的衣服,因此可以认出跪在圣彼得旁的圣徒就是他。”【14】福音作家圣约翰经常穿着红色和绿色,耶稣穿白色,他被埋葬时的裹尸布有关,却也是圣洁的标志。白、绿、红代表信、望、爱。“伊顿在《色彩史概述》中指出:画家在使用象征色时,如果“缺乏象征性真实和没有情感能力的视觉印象效果,将只是一种平凡的、模仿的自然主义”。而“缺乏视觉的准确和没有感人力量的象征主义,将只是一种贫乏的形式主义。”【3】

(三)以装饰性为形式的色彩语言

色彩装饰是强调人的感受,具有不同色彩意义,不再追求再现的绘画、精致的光源和空间变化。但是用一种大胆的颜色,你心中出现的颜色可以是变形,可以是平面,夸张,或象征性的。配出来的颜色可以和谐,可以对比强烈,客观又充满情趣,主观又浪漫夸张,在尊重传统之上进行加工创造,彻底打破了客观自然色彩和形态的束缚,突出强调色彩的形式美和主观感受。“在写生时,不是被动的观察和描绘,而是主动、自觉地去发现和创造。”【2】代表人物克里姆特、马蒂斯、塞尚等。

马蒂斯《蓝色的裸体》(图1)蓝色与紫色相融合在一起,颜色鲜亮,画面和谐。简单的阴影,粗犷的线条,不注重外形和细腻的色调变换,以一种随意的手法来表现,与传统的写实主义形成鲜明对比。

图1

几何抽象艺术的创始人康定斯基在他的自传《回顾》中记载了不同寻常的经历,他看见墙上挂着一幅画,异常美,走近后才发现是自己原来的画,只是被倒置了。第二天早晨,努力回想黄昏时云雾在脑海中的印象,发现并不能完全记起,于是确定,是物体的原形损害了作品。康定斯基认为艺术是人类的“精神”,而不仅仅沉溺于再现物体的现实形状,而应有其灵魂和中心。康定斯基、马列维奇和蒙德里安是抽象主义的代表,他们的作品并不是凭空臆造的,更不是对大自然色彩的临摹,而是根据作者的意念在观察客观事物的基础上来进行归纳、概括变化所形成的。

中国油画更多受中国画写意的影响,注重抒发情感。油画画家戴士和,他的作品《遵义会议旧址》(图2)、《大连渔民》(图3)和《高原雨后》(图4),在用色和造型上并不写实,在轮廓的处理上并不严谨,没有着重刻画的五官,也没有细腻的描绘,而是采用抽象的表现手法,来表现人物的特征。利用纯度高的色彩表现作品,强调主观情感。

图2图3

图4

因为装饰色彩不同于一般色彩的表达形式,它主要把握艺术家内心世界和强烈对比。因此,色彩实际上已经超越了很多科学意义上的规律,所以了解和研究装饰绘画色彩中的个人情感表达也就更重要。

(四)以情感性为形式的色彩语言

色彩语言形式的情感性不同于写实性,不再再现自然景物的原色,不再再现物体的原样,不只是通过色彩的装饰性进行形变及夸张,而是通过色彩的语言形式——情感性,对内心情感进行描绘,并通过色彩表现出来。画家的每幅作品不是照抄自然,而是注入感情,用色彩描绘自己的内心世界,赋予作品灵魂。

艺术家在艺术创作中具有主观能动性,需要选择、提炼、处理、转化,将其强烈的内心情感和想法等个人因素融入作品中,通过画家主观色彩表达内心情感。后印象主义对重现客观事物和颜色不满意,因此,表现情感,注重绘画不是理性科学,而是感性艺术,体现不因时间而改变的永恒。马蒂斯反对复制自然,认为色彩是情感的抒发,并不是事物的再现刻画。凡·高《星月夜》,高更《拿着芒果的女人》、《坐在红色扶手椅上的塞尚夫人》【4】,都利用色彩的情感特性来表现,从而与欣赏着产生共鸣。以创作者为主体,依靠其对色彩想法画出的作品更依从于思想的需要。塞尚《暖房中的塞尚夫人》(图5)大约创作于1890年,这幅肖像画给人以优雅、从容和爽朗的印象,面部五官轮廓线清晰,所有都表明画家在追求理想的几何形。女主人公脸上的的色调极富感染力,脸宛如鲜花一般出现在淡蓝色的衣裙上,出现在复杂的背景颜色前。整个画面以色彩的浓淡进行了造型,放弃了传统的光影。通过色彩的表现,描绘出了一个仪态万方、从容优雅的印象。

图5

凡·高的《夜咖啡馆》(图6)、《向日葵》等这些作品没有故事情节,没有说教,只有透过画面看到的主观创造出的形象、色彩,但是却表达出了画家对于人世的感受。《夜咖啡馆》(图6)利用红和绿强烈的对比,制造出一种视觉冲击,表现一种压迫和放纵的感觉。向日葵凡·高的崇拜物,在其眼睛里,向日葵展现着热情和明亮,是真实情感的反映。“在画面中,即将枯萎的向日葵,象征着在巴黎的角落里奄奄一息的凡·高。”【10】即将死去的自己,心情是如此无助、孤独和孤独。画面中血红色茎叶被砍断,正如他的生命被切断一样,明亮的黄色和暗淡的蓝色背景是一种对比,与现实形成了鲜明的对照。凡·高在精神病院接受治疗期间,把对生命的感受都注入到作品之中,用色彩来揭示和表现情感、精神状态方面,一次次都是达到让人惊心动魄的程度。他用蓝色和黄色的对比来表现一种压抑,紧迫的感觉。在色彩上,利用补色的强对比,表现出自己的内心世界,将自己正常的状况到后来疯癫的状态用色彩表现的淋漓尽致。

图6

凡·高在色彩的表现上,用主观的色彩来表现自己内心的感情,利用一些颜色表达自己压抑的心情,利用色彩来抒情。

三、画面色彩写实与写意的统一

色彩在写实油画中的运用,是符合客观事物的,符合光学。其来源于现实世界和生活。写意是画家精炼了客观物体的根本因素作为艺术语言,并不是单纯的事物再现,而是一种审美和精神的双重体验。当传统绘画观念遭受新思想的挑战,新的表现情感主义产生的时候,画家们注重对于情感的表达,不再过于注重光色的关系和比例关系。由写实性逐步走向了写意性,将色彩由写实带入了写意,用写意来表达内心的活动,表现自己的愉快、痛苦、寂寞与窒息的心情。色彩的装饰性、象征性和情感性在写意中被表现的格外突出。色彩中写实性与写意性相统一,在坚持客观物象的基础上主观的利用色彩,可以运用色块和夸张的手法来表现。

(一)中西绘画色彩相结合的表现力

西方绘画色彩讲求写实,注重光影,注重比例。中国绘画色彩注重写意,讲究抒情,意在笔先,借景抒怀,抒发主体的感情,与西方的表现主义大致相同。“写实”一词来源于西方,“写实”就是描绘现实,是对自然事物的刻画。“写意”一词来源于中国画,“写意”重要的是抒发情意,描绘感情,重在“意”。写意色彩表达的主体是创作者自身,画家的感受决定对他们的选择,对自然的再现和内心思想的表现,是主观情感与具体物象融合而形成的表达方式。随着绘画的发展,人们更注意情感表现,而不是事物表面的再现。“艺术家用色彩表现情感有两种途径:一是利用色彩自身的表现性,二是利用色彩情感的象征性。”【3】

西方油画起初凭借写实的面貌进入中国,之后逐渐加入写意的思想,运用的正是中国画水墨。“写意性”既是其主观化的表现,又是其心路历程的表现。

西方传统油画中,画家以光色关系为主,在画布上对所画之物进行还原,就像是用照相机拍下的照片,不注重神似,却一定要像,单纯追求逼真与写实。写实性色彩需要创作者具有独到的观察力,进行主观的表现。假设看到一块绿色的布子,不能用纯绿直接作画,而是要用蓝色和黄色进行调和,这样才能使画面的色彩看起来令人舒服。因此,写实油画中,创作者利用色彩有利于客观事物再现,不仅增强画面渲染力,还使画面对比加强。中国绘画强调“以形写神,形神兼备”、“师法造化,中得心源”,虽要用描写,但最终还是重意向的表达,在用色上渲染,注重内心情感的抒发,是一种利用感性色彩表现画面内容的手法。

色彩大师提香对于色彩的应用是及赋创造力的,提香的作品重视色彩的运用。青年时代的提香受人文主义和威尼斯画派的影响,使油画用笔和色彩进入新高度,画面情感丰富,气势磅礴,颜色艳丽。中年画风细致,有力。晚年用笔不拘小节,色调单纯多变。伟大的提香曾经说过:“他渴望成为一名画家。他应该熟悉三种颜色——、白色、黑色、红色,并完全掌控它们。而且还说了另一个真理:要创造生动的色彩。单一的应用方式是不够的,要有效地丰盈的肉体,需要多样色彩的重复。”提香的作品《酒神祭》(图7)人物形象大胆,色彩丰富多变,颜色鲜艳亮丽,背景用蓝色、黄色和白色描绘出蓝天白云,符合现实但是并不死板,颜色写实,又有颜色上的变化。在刻画人物的肌肤时,笔触细腻,颜色写实,将人物肌肤的颜色表现的极其细腻,层层变化。对于衣着的颜色蓝白和红色又用的极其沉稳,并没有将纯色直接应用,而是用调和成熟的颜色进行创作,既写实又有丰富的色彩变化。在写实性油画中,并不是一昧的模仿自然,而是经过对色彩语言的重新整理、思考和结合,最终以对画面的理解,进行创作。

图7

中国画的水墨渲染为我国的油画注入许多不同于西方绘画的特点。陈钧德的作品《万木秋声》(图8)色彩鲜艳明亮,多以黄色和橘色为主,中间穿插一些绿色和红色,整幅作品并没有给人一种秋天自然植物的萧瑟之感,相反,色彩的明亮反而给人一种清新的感觉,加强了作品的表现力。画面中色彩的运用上不注重光影的表现,没有轮廓线的约束,是个人主观情感的表现,笔触自然,随意,用色稀薄,有中国水墨画渲染之感。作品中树根的表现没有西方油画中的具体的刻画,而是一种随性的美,只是利用微妙的色彩差异,就表现出树木之间参差错落。陈钧德的作品是以写意著称,继承了中国画的渲染和写意,他的作品从用色上就能看出内心的情感,色调鲜艳明亮,喜欢运用黄和绿两色,不注重具体形态和厚重的颜色堆积,表现手法上是绘画中的抽象主义和中国画的水墨渲染并用。

图8

林风眠的油画作品《山村9》(图)有西方绘画的写实,也有东方绘画的写意渲染。其中对于房子、山丘和树木的再现是写实与写意的结合,在房子的色彩表现上,注重光影,注重景物色彩间的环境色,大片树林后山丘间景物的变化也有所表现。在对树木的刻画上没有太多的写实,树木色彩不同,形状不一,有绿色、蓝色、橘色和黄色,色彩的层次变化是画家心情变化的表现。画中前景的地面,由浅绿到墨绿的微妙变化,运用了中国水墨画色彩渲染的效果。整幅作品具有西方色彩光影的写实,又有东方色彩的写意,二者相结合使画面具有视觉冲击,给人耳目一新的感觉,既是画家绘画水平的表现,又提高了画面的感染力。林风眠的作品主要以东方的水墨渲染为主,以西方写实和抽象为辅,在坚持对自然事物再现的基础上,注重对个人情感的抒发,通过画面书写张扬的个性。蒋德斌的《夏荷》(图10)是传统的写实和中国画的技法相结合,其中对于荷花、荷叶的刻画细致入微,色彩逼真,将荷花的圣洁和高雅表现的淋漓尽致。对于光色的运用恰到好处,善于用色彩表现荷花、荷叶的特点。同时,吸收了中国水墨画的空灵和趣味,将荷花刻画的逼真又清透。作品具有强烈的个人风格,是个人审美意趣的表现。

图9图10

中国的写意色彩注重张扬个性,抒发情感,西方的写实注重理性,色调光影的表现。二者相融合是中西方文化的融合,使画面表现更具张力,共同书写了各自的民族精神,表现了各自的文化传统和文化特色。

(二)写实与写意色彩的融合对于油画的艺术价值

随着十九世纪摄影术的出现和繁荣,使西方绘画一昧强调再现自然客观事物的理念受到挑战,强调完整再现的表现手法面对危机。后印象主义画派在这时出现了,不再是对原本事物的模仿,不再被其束缚,是一种新的表现手法。表现画面先把握其“本色”,再深入其内在及感情,运用丰富的色彩表现出来,赋予作品以生命和灵魂。“画面里的色彩就是生活里的热情,寻找和保存它;这不是小事情。”【12】凡·高用纯洁的心去观察生活,不管他运用怎样“任意的色彩”或夸张的造型,都注意人物的性格极其思想。“塞尚希望用色彩重新创造自然”【10】

现如今,人们对艺术的追求已经不再停留于相像,而是将个人的主观感受放在首位,传统艺术的改变已经是显而易见的。在油画色彩上融入中国的写意,会使作品更加有“活力”,使画面更加富有表现力,这既是创作者思想的进步,对于色彩敏感度的提高、画面表现力的加强,也是人类审美意识的提高。

西方的写实是一种理性的绘画,注意严谨的比例和逻辑的表现,注重光影的明暗变化。在传统的中国绘画中色彩没有严格的再现要求,注重情感表达。写实与写意色彩的融合对于油画的发展有重要价值,使西方绘画不再单一的表现事物,融入情感是绘画的一种进步,容易使画家与欣赏着产生共鸣。中国油画最初是再现事物为重点,后来融入中国的写意色彩,既是中国油画的升华,也为油画注入了灵魂。对于传统写意的运用,既是对中国画表现形式的借鉴,也是对其的继承和发展,充分表现了中国油画的民族性,有利于弘扬中国的文化和思想理念。色彩写实与写意有效运用于绘画中对油画色彩写实写意正确运用具有理论和实践的指导意义。

结论

在本篇论文中,介绍了色彩的发展,色彩的语言形式和写实与写意色彩的统一性。色彩是绘画表现的灵魂,为我们现今的研究提供了理论指导,让我们在对物体色彩进行写实性表现的基础之上赋予自己对物的理解,添加自己的情感,并用色彩这一语言表现出来,使作品并不再是单纯的模仿,而是情感的抒发。色彩,作为绘画艺术的研究,是艺术研究的基础,也是艺术研究的重点。辩证的认识色彩写实与写意并有效运用于绘画中对油画色彩写实与写意正确运用具有理论和实践的指导意义。

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